Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELLAS. Director: Scott Cooper. Guion: Scott Cooper. Actores: Jeremy Allen White, Jeremy Strong, Paul Walter Hauser y Odessa Young.

Gabriela Kalifa DETONA un caso patético de maltrato al cliente por parte de esta aerolinea. Las otras están igual pero de eso se ocupará en posteriores artículos.

No caigas en la trampa del vuelo barato. ¡Te puede ir como en feria! Y peor con VivaAerobus

Nada en gracia resulta esta broma de los sobrecargos de VivaAutobus -perdón- Aerobus, caracterizada por el deplorable servicio y mal trato a sus pasajeros. (El incidente ocurrió el 29 de junio de 2021, pero sigue vivo en la memoria colectiva).

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Experto en certificación aeroportuaria que apoya en México a especialistas gringos en ese campo, sufrió uno más de los "inexplicables" retrasos de Viva Aerobus: más de 3 horas en el vuelo de Querétaro a Monterrey.

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El piloto tuvo que aterrizar de emergencia en Guadalajara, de donde había despegado. Lo bueno es que no pasó a mayores y fue solo el susto. ¡Pero qué susto!.

Se incendia motor de avión Viva Aerobus que viajaba a Los Ángeles

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De migrante lavaplatos, a uno de los más ricos del mundo

Lecturas del día:

Springsteen: Música de Ninguna Parte es un vistazo a lo que denomina la película los años oscuros del cantante, alrededor de 1982 mientras componía su álbum Nebraska.

Bruce Springsteen “El Jefe”, es interpretado por Jeremy Allen White y lo conocemos al borde de la grandeza a como lo define su representante Jon Landau (Jeremy Strong) y a como se ha colocado ante la industria de la música luego de su álbum The River (1980).

Somos testigos en conocer en flashbacks la triste vida que tuvo Bruce Springsteen de niño y la trama se salta como logró llegar a la popularidad que vivía él ya desde su primer y segundo álbumes en 1973.

El centro de atención viendo a su padre y viendo lo que vive Springsteen es como vivió en un tremendo estado de depresión por muchos años y según el filme, mucha de su música se origina de su enfermedad.

La producción fílmica a cómo es manejada por el director Scott Cooper se ensimisma demasiado en ese lapso de tiempo y quien sabe por qué evade sus años con los que arrancó su carrera, pero al estilo de otros filmes sobre leyendas como Bob Dylan en Un Completo Desconocido y Elvis en el filme del mismo nombre buscan un punto central para decir, “el antes y el después”.

Jeremy Allen White a lo igual que Timothée Chalamet y su Bob Dylan o Austin Butler y su Elvis, son gente que nacieron para interpretar a esos íconos de la música de forma y figura, al pie de la letra.

En el caso de White y su Springsteen se sabe y se nota que algo tiene y algo influye en su vida y obra. 

La música que compone y la raíz de su lírica, parte de su estado de depresión.

Springsteen fue pionero del rock que reflejaba el núcleo del pueblo americano, la clase trabajadora y su letra y canciones los exaltaba.

El tema central del filme que es la elaboración del álbum minimalista Nebraska fue considerado como neo folclórico, exitosamente experimental pero no tanto un éxito comercial como se esperaba a comparación de sus primeros discos.

Las licencias intelectuales con las que navega la película también son interesantes y calculadas para lograr los efectos necesarios en el personaje.

Se evade tocar que Bruce tenía dos hermanas, de la cual se ve sólo una y ni se menciona su nombre. 

La figura del interés romántico que es Faye (Odessa Young) es ficticio, pero puesto ahí para representar los problemas que tuvo con parejas en esos años.

Bruce comenzó a tratar su depresión por esos años, según el artista, la tiene bajo control, pero sufrió fuertes momentos depresivos entre 2010 y 2012.

Lo que sí se evade totalmente es que MTV ya mandaba por esos años con el nacimiento de la era del video-clip y ya era por un hecho que el video, había matado a la estrella de la radio.

Y muchos comentan que el real lanzamiento de Bruce Springsteen y su fama a nivel mundial sólo se dio hasta que se conoció el video de Born in the USA filmado por Brian de Palma en 1984.

Su excentricidad era mas agresiva de lo que se ve en el filme por encima de alegar “no quiero singles, no quiero promoción, ni entrevistas por mi nuevo disco”, que repito, todo se terminó cuando MTV puso sus manos en el artista.

<h6 class="subtitle underlined">A final de cuentas en Springsteen: Música de Ninguna Parte nos da un diminuto vistazo de tan célebre hombre que aún hoy sigue siendo tal cual “El Jefe”.</h6>

Entretenimiento

Springsteen: Música de Ninguna Parte (Springsteen: Deliver Me From Nowhere/ EUA, 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con DOS ESTRELLAS. Director: Tatsuya Yoshihara. Tatsuki Fujimoto, Hiroshi Seko. Voces (en japonés): Kikonosuke Toya, Tomori Kusonoki, Shogo Sakata, Reina Ueda y Natsuki Hanae.

Chainsaw Man La Película: El Arco de Reze es la versión en largometraje del trágico héroe Denji, absorbido por el demonio Pochita y convertido en Chainsaw Man, destructor y devorador de demonios.

El filme es tal como dice el título, el momento donde Denji conoce a la joven Reze y le da la idea que alguien en el mundo quiere enamorarse del demonio.

Mientras tanto, bastantes demonios andan cazando a Chainsaw Man porque quieren su corazón y uno de ellos resulta ser Reze, que es Bomba y junto con Tifón lo enfrentarán para arrebatárselo.

En sí el largometraje no tiene ninguna variante al animé japonés con la línea de personajes habitando un mundo donde los demonios son omnipresentes y muchos son contratados para pelear contra otros demonios para defender a la humanidad.

Denji sigue siendo Denji, que sigue sin lograr adaptar su nueva vida como híbrido que es, mitad humano y mitad demonio y sigue siendo, supuestamente, uno de los entes mas poderosos sobre la faz de la Tierra.

Es un hombre no entero, de que a pesar de que todos buscan su corazón, él cree que no tiene corazón y su caos interno es brevemente aliviado al conocer a Reze hasta que muestra su verdadera cara.

La película dedica eso, adaptar el arco de Reze del manga al cine sin buscar expandir mucho que digamos el universo que viven y tal cual diseñado, que para el que no conoce Chainsaw Man, no le va a entender mucho que digamos al filme.

Me gustó la intención de darle aires del manga, con el arte y personajes montados como cuadros de la revista, sobre todo en las peleas climáticas entre Chainsaw Man y su aliado el demonio tiburón, contra Bomba y Tifón.

Pero precisamente a eso “sabe” el filme, a un episodio grandote de la serie de animé de la TV.

No fue muy de mi agrado el recorrido de la historia y parece mas relleno con Denji haciendo prácticamente nada, con el demonio Angel y Aki Hayakawa como agregados culturales en la trama.

Esta película hasta asemeja mas una serie de Marvel en Disney+ donde con sólo ver el principio y el final se arregla el asunto, sin necesidad alguna de ver el relleno.

Y mas decepcionante ver el final, que luego de destrucción y media la solución a todos los problemas se da en 30 segundos.

<h6 class="subtitle underlined">Hay acción, hay humor, tragedia, pero si buscamos el corazón y alma de Chainsaw Man en la película, la verdad, no lo vamos a encontrar.</h6>

Chainsaw Man La Película: El Arco de Reze (Gekijô-ban Chensô Man Reze-hen/ Japón, 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELLAS. Director: Scott Derrickson. Guion: Scott Derrickson, C. Robert Cargill. Actores: Mason Thames, Madelaine McGraw, Jeremy Davis, Demián Bichir y Ethan Hawke.

Nos encontramos en 1982, cuatro años después de los eventos de Teléfono Negro donde Finney (Mason Thames) confronta al Raptor (Ethan Hawke), el sádico asesino de niños, y que frena su carrera con la ayuda de fantasmas, víctimas del asesino.

En esta segunda parte Finney al parecer sigue recibiendo llamadas de personas muertas que buscan su ayuda y su hermana Gwen (Madelein McGraw) igualmente sigue teniendo sueños psíquicos ahora mas intensos que en la primera película que le advierten que el Raptor ya de antes, había perpetrado homicidios en otra parte.

Teléfono Negro 2 es un salto quántico a lo presentado en la película del 2021 con la intención de desarrollar a Finney y a su hermana en el universo en el que viven.

Claramente ambos han heredado los poderes psíquicos de su madre y ahora la madurez en ellos ha despertado mas capacidades, lo que significa para ambos pesadillas y vivir de forma inquieta tanto de día como de noche.

La idea bastante surrealista es que, años atrás y en vida su madre como una joven adolescente se comunica por teléfono con su hija Gwen en el futuro para advertirle de tres niños desaparecidos en un campamento invernal.

<h4 class="subtitle">Tremendo pie para que Finney y Gwen de una forma u otra busquen cerrar la pesadilla que no los deja.</h4>

Me gustó tal cual ese planteamiento surrealista, donde la línea entre sueños y realidad se pierden al estilo de Freddy Krugger en las películas de Pesadilla en la Calle del Infierno y como Scott Derrickson, director de la original y actual cinta, de manera estilosa con muy buen lenguaje cinematográfico borra la frontera entre vida y muerte, estar despiertos y dormidos.

Obvio el Raptor estará presente, con un cinismo crecido de manera exponencial pero presente porque sabe que Finney y Gwen tienen la capacidad de descubrir todo lo que hizo en el pasado y ponerlo al descubierto.

Me gustó la visión del infierno congelado al que se someten los hermanos y de paso Ernesto, hermano gemelo de Robin (doble papel de Miguel Mora), una de las víctimas del Raptor, presente para igual buscar un cierre a sus remordimientos por la muerte de su gemelo.&nbsp;

De agregados culturales está la dotación de elementos latinos de inclusión e igualdad como es Demián Bichir, el dueño del campamento, su sobrina Mustang (Arianna Rivas) y la pareja de administradores anglosajones supersticiosos, sometidos por sus creencias cristianas a pensar que Gwen es el diablo.

Y caray, hasta dan espacio para que el padre de ambos hermanos (Jeremy Davis) tenga mas espacio en esta realización.

Este equipo desigual hará frente a la amenaza que cierne sobre ellos y de paso, más que todo, es ver a Finney y Gwen comprender que lo que poseen es un don heredado para hacer el bien y no una maldición.

La película es eficiente y bien estructurada, nada mas que el realizador Derrickson se pasa un poco demasiado en la duración del filme y acepto que había mucho que contar y sobre todo desarrollar a los hermanos, pero a veces parece cátedra muy alargada al explicar una historia que debería describirse a sí mismo.

Obvio las segundas partes deben ser mas grandes y mas espectaculares y Teléfono Negro 2 pierde su lado claustrofóbico e intimista de la primera película, pero el surrealismo que rodea la secuela y el miedo imperante sigue ahí.

<h4 class="subtitle">Me gustó que hay oportunidad de aligerar la historia con chascarrillos y momentos irónicos, cosa que no existía en la original del 2021.</h4>

El lado peligroso son los momentos en que la historia está a segundos de convertirse en una “girl boss movie” donde Gwen le quita toda preponderancia a Finney, el centro original de nuestra atención, pero el director Derrickson y su guionista C. Robert Cargill siempre aterriza la historia en ambos.

Perfecto, ahora le tocó mas a Gwen, pero Finney tiene lo suyo y es el que pone sobre la mesa “tenemos el poder para solucionar las cosas”.

Me gustó que hay la desfachatez de mezclar aires de las películas de El Conjuro y capitalizar que ya cerraron su círculo y continuar en futuras películas con más material al estilo de Pesadilla en la Calle del Infierno.

<h6 class="subtitle underlined">Quizás y obvio, en futuras secuelas de Teléfono Negro ahora Finney sí contestará el teléfono y conocernos pues, quién llama solicitando ayuda.</h6>

Teléfono Negro 2 (Black Phone 2/ EUA, 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELLAS. Directora: Janett Juárez. Guion: Janett Juárez. Actores: Raul Briones, Mateo Diaz y Sonia Franco.

En la película Un Mundo Mejor, conocemos a Víctor (Raul Briones) encerrado en un mundo tóxico, luego de una fuerte experiencia de violencia donde fue secuestrado y ahora vive sus días exiliado en los EUA alejado de todo, pero siempre con la vivencia en primer plano, día y noche.

Hasta que un día conoce a Santiago (Mateo Diaz), su vecino de siete años con el que juntos lograrán una especie de común acuerdo, ayuda mutua y una bocanada de aire fresco en sus vidas.

Janett Juárez como realizadora, trabajando su propio guion coloca sobre la pantalla la triste vida de Víctor, afectada de inicio a fin por la tremenda experiencia que le ha dejado cicatrices por muchos lados.

El secuestro le ha creado agorafobia donde no puede poner un pie fuera de las cuatro paredes que lo rodean y de paso un trastorno obsesivo-compulsivo.

Eso se va acentuando y somos testigos de como Víctor no tiene ni un gramo de ganas de mejorar, en una relación tóxica con sus males y su status quo es de rutinas que para cuando lo conocemos son ya enfermizas.

La presencia de Santiago en la trama es la fuerza que irrumpe a destruir todo, sacar fuera de su zona de no-confort a Víctor y que él se de cuenta de una vez por todas de lo mal que está y que sí, la gente que lo rodea lo quiere ayudar, pero él está a gusto en su cueva claustrofóbica a la que no se puede llamar “hogar”.

Es la línea de historias en el cine, del niño que entra como una fuerza apocalíptica (en el sentido de conocimiento y revelación), muy ad hoc a Un Gran Chico (About a Boy, 2002) o Un Santa no tan Santo (Bad Santa, 2003) donde el balance enfermizo del adulto cambia a un desbalance total y no queda mas remedio que buscar, a la fuerza, por donde se comenzará de cero.

Cuándo y cómo se dará el primer paso a un nuevo inicio y todo esto llegará a suceder de la forma menos esperada.

Y sí, en esos momentos de risa irónica, Víctor confronta como el objeto inamovible que es, al objeto imparable que es Santiago con todo y escena al estilo de El Tío Buck (Uncle Buck, 1989) cuando choca por primera vez con su sobrino (Macaulay Culkin) y los resultados son qué efectivamente, Víctor no es un vampiro… no lo es, simplemente es un ser humano que está sufriendo mucho.

La directora Juárez maneja de forma paulatina la trama, lenta al inicio y de cómo vive su personaje, que lo mueve y que lo tiene anclado en el sufrimiento por opción propia.

Cómo está encerrado tras alarmas y candados, aferrado a su mantra de “tres tristes tigres” que sólo lo cicla más en su círculo vicioso, viviendo en fatalismo absoluto, rendido al probable fin que le tiene en mano el destino.

Me incomodó la trama planteada de forma eventual, momentos que hay veces que no se desarrollan sino se cortan “y lo que sigue” como cuando Santiago sufre un accidente y se edita a Santiago en la ambulancia sin saber cómo le hizo Víctor, siendo lo que es hacer la llamada al 911 y pedir que lleguen extraños, siendo un menor la obvia participación de la policía, etc… curiosidad de cómo hubiera vivido Víctor esa etapa de irrupción en su universo de cuatro paredes.

Pero son clichés mínimos de receta de cocina, como el tratamiento del psicoanalista que por video-llamada y con una frialdad increíble quiere arreglar todo, pero cae la clásica “pues ya se acabó la sesión”.

Me gustó la dinámica inclusive dentro de las cuatro paredes de ambos personajes sin caer en los lugares comunes de que uno de repente dice “muy teatral” y no lo es.

Y la película se acaba dónde debe acabarse porque estaba tendiendo a agotar sus temas y comenzar a repetirse, regresar al inicio y hacerla tediosa.

La lección es simple, basta con que uno de un paso, de convicción propia para que luego vengan losdemás, por si solos.

<h6 class="subtitle underlined">Un Mundo Mejor no es de un adulto y un niño, es de dos almas que fueron colocados en el momento idóneo en el lugar preciso para solucionar problemas y sí, Dios los hizo, pero ellos se juntaron y juntos saldrán adelante.</h6>

Un Mundo Mejor (México, 2023)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELLAS. Director: Joachim Ronning. Guion: Jesse Wigutow y David DiGilio. Actores: Jared Leto, Greta Lee, Evan Peters, Gillian Anderson y Jeff Bridges.

Tron: Ares es el nuevo intento de los Estudios Disney de elevar a franquicia fílmica el escondido universo cibernético creado inicialmente en la revolucionaria producción Tron de 1982.

Desde la segunda película de Tron: El Legado (2010) ya se habían soltado indicios que la siguiente película sería sobre el universo cibernético entrando ahora sí de lleno al universo real.

En esta instancia Tron: Ares es lo que se conoce en el argot fílmico como una “requel”, una secuela pero a la vez un “reboot” de las películas en la misma dirección de la original pero con cambios discretos, palpables y visibles para “actualizar” la trama.

Lo que pasó precisamente con 28 Años Después, que es la tercera película de la serie, pero es considerada como una “requel”, primera película de una nueva dirección que arranca con esta realización.

En esta instancia, Julian Dillinger (Evan Peters) nuevo director de Dillinger Systems y nieto de Ed Dillinger original dueño de la empresa (en Tron, encarnado por David Warner) aceleradamente busca encontrar el código de perpetuidad para mantener la estabilidad de creaciones digitales en el mundo real.

Mientras tanto las hermanas Eve y Tess Kim (Greta Lee y Selene Yun) quieren regresar a ENCOM, la empresa del aún desaparecido Kevin Flynn (Jeff Bridges), a la grandeza que tuvo cuando eran los reyes de los videojuegos.

Para Julian Dillinger su nuevo programa Ares (Jared Leto) lo es todo, y según él, servirá para reivindicar a la figura venida a menos de su abuelo.

Esta es la básica y única línea que tiene Tron: Ares, trama endeble de una historia que se pierde totalmente en una obra de arte fílmica, una producción que explota un lenguaje cinematográfico increíble.

Por un lado ofrece mucho y por el lado restante la película tristemente se pierde en clásicas narrativas de las empresas malas que quieren todo para ellas, no importa el precio a pagar, con jefes iguales de malvados que quieren todo el poder.

Tron: Ares es exactamente lo mismo que sucede en Mundo Jurásico (2015), la tecnología de Parque Jurásico (1993) revivida pero usada con fines comerciales nada éticos, y Mundo Jurásico: El Reino Caído donde ese mundo de dinosaurios inunda el nuestro.

Aquí la ventaja de Tron y las tres películas a la fecha son los saltos agigantados entre producción y producción y que al parecer, van a seguir y van a seguir deslumbrando.

Si en Tron la aventura era quedar apantallados dentro del mundo de una computadora, ahora en Tron: Ares el tema es la IA, la inteligencia artificial y quedar apantallados en el momento en que Ares cobra conciencia de sí mismo cuando su ser reflexiona líneas de Frankenstein, la obra de Mary Shelly y se da cuenta que “piensa, por lo tanto, existe”.

Pensar que en 1982 era espionaje industrial, juegos de video y hoy la opción es la inteligencia artificial y vuelvo a ceder que esta tercera película es deslumbrante con un diseño y coreografía non plus ultra, bien actualizada y explotando toda la tecnología fílmica posible.

Todo un “upgrade” a lo que ofreció la original, pero en esa teníamos a Jeff Bridges viviendo una aventura excepcional y eso lo tratan de repetir con el personaje de Greta Lee y su Eve que simplemente queda opacada cortesía de que Jared Leto la desplaza y él no cae en aventarse un papel ni arrogante, ni petulante como los de Morbius y su Joker, sino que ofrece un personaje que, de ser un ente cibernético, le nace humanidad.

Ares es estoico, un personaje que rechaza aceptar que literal, es un programa con su destino escrito y que su “vida” está a la vez preescrita y que él no puede controlarla.

Y el universo en el que vive lo vemos con demasiada rapidez, más como algo que pasa rápidamente ante nuestros ojos, como cuando vamos en un carro y no con la intención de dejarnos sorprendidos, aunque es impresionante cuando ese mundo del que Ares es parte comienza a tomar pie en nuestra realidad.

Es lo mejor de la película y ese aspecto, aunque está ahogado en tanto efecto visual, es la parte importante que hace sobresalir al filme.

Y por igual, me gustó el homenaje pleno a Tron, apuntando que ese universo anda por ahí en algún “flopy disk”, en alguna computadora casera olvidada en un rincón de alguna bodega y gracias, reviven a Bit (Yes-No) que en la segunda película ni mencionan.

Igual me gustó la muy buena banda sonora de Nine Inch Nails, muy evocativa de la música de Wendy Carlos en Tron, revolucionaria en ese entonces.

Quizás la idea de que Tron: Ares es un “requel” ocasiona que esta tercera película se note mas como un puente, aventando al ruedo ideas del universo real y virtual para balancear que queda, que se agrega y que se va.

El final de la película indica precisamente un eslabón entre la segunda y esta tercera y la escena en los créditos finales nos ligan a la primera película para plantear nuevos aspectos, manteniendo la idea que todas las películas van a ir de la mano de una sola línea.

<h6 class="subtitle underlined">Ojalá y haya otra película más de este universo de Tron, uno que no cese de sorprender y espero que siga sorprendiendo.</h6>

Tron: Ares (Tron: Ares/ EUA, 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELLAS. Director: Simon Curtis. Guion: Julian Fellowes. Actores: Hugh Bonneville, Elizabeth McGovern, Michelle Dockery, Paul Giamtti, Jim Carter y Lesley Nicol.

Downton Abbey: El Gran Final es la tercera película de la franquicia de la serie de TV que ahora sí, como decimos “la tercera es la vencida” apuntando a un cierre completo sobre la historia y vivencias de la familia Grantham.

En la historia, lord y lady Grantham (Hugh Bonneville y Elizabeth McGovern) gozan de su estancia en Londres de 1930, socializando y asistiendo al teatro del West End donde entre celebridades se reencuentran con Guy Dexter (Dominic West), actor cuya carrera fue renovada a como lo vimos en Downton Abbey: Una Nueva Era y a Thomas Barrow (Robert James-Collier), exmayordomo de los Grantham y ahora acompañante del actor.

Igual como ícono de esos años se topan con el dramaturgo inglés non plus ultra que fue Noël Coward (Art Froushan), autor de la puesta teatral a la que asisten los Grantham.

Pero socialmente surge un cataclismo para la familia cuando la prensa revela que la hija, Lady Mary (Michelle Dockery) se ha divorciado de su esposo convirtiéndola en la oveja negra y blanco del repudio de toda la sociedad británica.

Parte de la historia recae en esto y por otro lado como subtrama aparece Harold Levinson (Paul Giamatti), hermano de Lady Cora Grantham (Elizabeth McGovern) el que maneja la dote y herencia de la finada madre de ambos (que en la serie fue interpretada por Shirley McLaine) y que aparece ahora viviendo la cruda de la caída de la bolsa de Nueva York.

Como de costumbre el creador de la serie, Julian Fellowes sabe colocar a cada personaje donde debe de estar en el momento indicado, en una serie y películas donde absolutamente todos son protagónicos y estelares.

De una manera u otra Fellowes sabe malabarear tramas en primer plano, mini tramas y subtramas, pero al frente el conflicto de la familia, sin olvidar e ir diciendo adiós a muchos de los queridos personajes “de abajo”.

La pronta jubilación del Sr. Carson (Jim Carter), la Sra. Patmore (Lesley Nicol) y como ambos pasan su respectiva estafeta al Sr. Parker (Michael Fox) y a Daisy (Sophie McShera).

Y claro, el Sr. Mosely (Kevin Doyle) ya encausado con su carrera como guionista, ahora no aparecerá para “meter la pata”.

Igualmente, el centro de atención es si Lord Grantham cederá la carga de Downton Abbey a su hija Mary, la cual se está convirtiendo ya madura y formada en ese carácter que tenía la tremenda abuela Violet (la desaparecida Maggie Smith) y sí, conocer si se tomaran decisiones correctas para el futuro y legado de la familia.

Excelente historia donde absolutamente todos los personajes conocidos se lucen, con ciertas sorpresas como ver la llegada de Tom Branson (Allen Leech) ya como todo un importante empresario luego de ser todo un revolucionario irlandés, el que se casó con la finada Abigail Grantham y ahora resulta hasta ser la voz de la razón en esta película ante Lord Grantham (hasta me sorprendió, Tom se “tutea” con el Lord).

<h6 class="subtitle underlined">Se termina de forma elegante lo que ahora sí podemos llamar la saga de Downton Abbey, un buen adiós que celebrar y poder decirles a todos estos amigos “gracias, nos la pasamos muy bien con ustedes”.</h6>

Downton Abbey: El Gran Final  (Downton Abbey: The Grand Finale/ Inglaterra, EUA)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con CERO ESTRELLAS. Director: Renny Harlin. Guion: Alan R. Cohen y Alan Freedland. Actores: Madelaine Petsch, Gabriel Basso, Ema Horevath, Brook Lena Johnson y Richard Brake.

<h5 class="handdrawn subtitle">Los Extraños 2 es la continuación, obvio, de Los Extraños 1 del 2024 en inmediata sucesión a los eventos que fuimos testigos en la primera película.</h5>

En el pueblo de Venus se llega a saber que Maya (Madelaine Petsch) sobrevivió al ataque de los extraños en su casa donde iban a pasar la noche ella y su prometido por lo que algunos de los que escucharon son obviamente Espantapájaros, Muñeca y Chica de Poster que deciden acabar con la única pista de sus asesinatos.

El proceder del trío para silenciar y que nadie se de cuenta de lo que pasa en el pueblo es como un chivo en una cristalería.

Obvio como película del género “slasher” matan al que se les atraviese y si antes las víctimas eran solamente extraños, como los mismos asesinos, ahora matan a los perfiles mas elevados posibles donde ya nadie va a poder esconder que algo está podrido en Venus.

Madelaine Petsch y su Maya parece sacada de la peor escuela de actuación posible actuando en un guion dirigido por lo que queda del director Renny Harlin y trabajando un patético guion escrito por Alan R. Cohen y Alan Freedland.

Simplemente no saben cómo llenar 98 minutos de película al grado que, hasta los ocho minutos de créditos, aburren.

<h4 class="subtitle">¿Qué hacen para estirar la historia? </h4>

Meter a Maya en cualquier predicamento posible dentro del hospital y luego afuera a campo traviesa, confundiendo que no siempre una historia puede ser contundente gracias a una edición dinámica que aquí no le da agilidad a la trama.

Sí, estoy de acuerdo que hay un momento en que el temor de Maya es que cualquiera pueda ser un extraño, incluyendo gente que la ayuda.

Pero muchos son manipulados con actitudes y con una cara de sospechosos que no pueden ni con su alma y a la vez da risa que aparecen personajes para matarlos al instante, literal a medio parlamento sin pena ni gloria.

Y la verdad muchos mueren por culpa de Maya que jamás relata qué está pasando alrededor de ella.

Los omnipresentes extraños que antes en la película original del 2008 eran misteriosos entes que acechaban por acechar a sus víctimas, ahora resulta que tienen nombre, apellido y excusa para comportarse como se comportan.

Y la excusa se da mediante flashbacks para ilustrarnos que quizás desde niños tenían razón de andar matando… no, en serio, estoy “sorprendido” por tales revelaciones.

Pero que se puede decir cuando un modo de los extraños para acabar con sus víctimas es un monstruoso jabalí. 

Monstruoso, pero por los patéticos efectos especiales digitales usados para recrear al animal.

Y Los Extraños 2 literal termina de forma abierta porque en un año viene la tercera parte de la franquicia donde de verdad nos van a torturar con mas secretos de los extraños.

<h6 class="subtitle underlined">Secretos que nunca pedimos resolver, pero a la fuerza y con calzador nos los van a recetar.</h6>

Los Extraños: Capítulo 2 (The Strangers: Chapter 2/ España, EUA/ 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con UNA ESTRELLA y MEDIA. Director: Justin Tipping. Guion: Zack Akers, Skip Bronkie, Justin Tipping. Actores: Marlon Wayans, Tyriq Withers, Julia Fox y Jim Jefferies.

Him: El Elegido es una extraña película que invoca ser de terror, misterio y todo llevado a un lugar nunca explorado por el género en el cine que es el futbol americano.

Todo redunda en Cameron Cade (Tyriq Withers) el aspirante a ser la nueva leyenda como quarterback una vez que entre a jugar con los Saviors de San Antonio y reemplazar al héroe del deporte que es Isaiah White (un irreconocible Marlon Wayans, veterano de las películas de Scary Movie).

Todo apunta a un brillante futuro para Cameron hasta que sufre un atentado que lo deja con una lesión cerebral que pudiera poner fin a su carrera. 

Pero una segunda oportunidad, aparece el mismísimo White que le ofrece una semana de entrenamiento para que directo pueda entrar al equipo de futbol.

Obviamente las apariencias engañan y lo que parece ser un regalo para la próxima gloria del deporte, se convierte en la hoguera de sus vanidades.

La película es una vasta metáfora del deporte elevada al rango del cine de terror a cómo la maneja el director Justin Tipping.

Desde el deseo inherente de ser un GOAT (Greatest Of All Times, el mejor de todos los tiempos) hasta las tremendas presiones que recibe un jugador por todos lados, 360 grados alrededor y 24/7 por parte de familiares, amigos y agentes que le desean lo mejor para él, según ellos.

La tremenda presión de tener cara a cara al jugador que va a reemplazar en la cima y no saber si está ayudando o destruyendo.

Desde que pone pie en la extraña “mansión” de Isaiah White, todo huele mal, partiendo que el hogar es a todas luces es una recreación moderna de un castillo gótico, digno de una historia de terror y fantasmas del género.

Un mausoleo bizarro, mas no barroco sino todo lo contrario, es espartano y lleno de recovecos misteriosos y oscuros.

Sí, tan oscuro que a veces no se tiene idea de que está pasando en los lugares donde predominan las sombras tenebrosas.

Toda la ambientación de la película, el diseño de producción es sumamente interesante, pero la producción rebasa a la trama por completo que de lo interesante pasa a lo sublime y de ahí a lo ridículo.

Cam jamás dice nada de lo que es testigo, tortura física a terceros por sus errores en el entrenamiento y no solo eso, se ve rodeado de locos, abiertamente gente rara y no hay opinión alguna en la historia al respecto, jamás.

Se puede ver como una metáfora surrealista, pero muy exagerada de los entrenamientos brutales a los que son sujetos los jugadores, pero en la película se va a el extremo de lo tonto porque jamás hay una razón lógica de lo que está pasando.

Sí, hay entrenamiento mezclado con tortura sicológica, pero Cam nuevamente en la historia no dice nada ni opina nada de lo que ve, siente y piensa.

La primera parte del filme hasta eso se acepta como buena en cierto sentido, cuando se empieza a ver que está pasando y uno piensa “ahora sí viene la parte de terror”.

Pues no, viene la parte con mas confusiones y bien gracias.

Vienen los momentos de gran potencial, pero todo se evade regresando a los simbolismos y metáforas insertados con calzador, haciendo a un lado el potencial de momentos fuertes entre los dos estelares (Wyans y Withers de repente sí lucen bastante) en pos de imágenes fuera de serie, edición ultra dinámica que desplaza la idea en pantalla y lo único que queda en mente es, de qué demonios trata la película.

Esas innovadoras tomas de “rayos x” donde vemos las consecuencias de los golpes pasa a convertirse en grotescos momentos donde sirve para mostrar los monstruos que llevan dentro los jugadores.

Pero me decepcionó que el planteamiento inicial de la búsqueda de la gloria, el sacrificio, el peso emocional y físico y el costo personal en el quarterback jamás lo exploran bien, porque regresan nuevamente a la parte de “terror” que nunca se materializa.

La insistencia de usar simbólicamente el nombre “Saviors de San Antonio”, “los salvadores de San Antonio” en sus dos manifestaciones como santo, San Antonio de Padua, santo no sólo de las parejas, sino uno que resuelve problemas espirituales y San Antonio de Abad el que ayuda al alma contra las tentaciones demoníacas.

Nunca vemos a Isaiah White como una amenaza, como el monstruo de la película porque tiende a perderse en la oscuridad de su mansión/castillo ni tenemos la idea que él sea el origen de todo lo que se viene encima.

De hecho, la debacle y peor parte de la película es cuando la atención se desvía a terceros que jamás tienen presencia en el filme.

Aquí es donde nos damos cuenta que no, la película no es de terror, lo terrorífico es el clímax donde se confirma que estamos viendo una versión moderna de la canción Hotel California de The Eagles en película, y el desenfrenado fin parece sacado directamente de un segmento de las realizaciones del género samurái como fue la sangrienta saga japonesa Lobo Solitario y Cachorro de los 70 del siglo pasado.

Him: El Elegido trata de meternos en un universo de terror, de rudeza tanto en el deporte como las decisiones comerciales que se toman alrededor de la construcción de un nuevo héroe, pero falla en su ambición de llevar todo esto a nivel de metáforas y simbolismos que optan por el camino de lo ridículo.

<h6 class="subtitle underlined">Uno sale de la película diciendo “¿y a que horas, la película de terror?”</h6>

Him: El Elegido (Him/ EUA, 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con TRES ESTRELLAS y MEDIA. Director: Yu Yang. Guion: Yu Yang. Voces (en español): Erick Bohórquez, Will Cuevas, Heysemberd De La Rosa, María Fernanda Febres y José Durán.

Siguiendo los pasos de Ne Zha del 2019, la secuela es la continuación de la historia de los semidioses Ne Zha y Ao Bing, que al final de la primera película han perdido sus cuerpos y el inmortal Taiyi Zhenren está tratando de recuperar usando flor de loto para recrearlos.

La historia al inicio sigue con la imagen de Ne Zha que se distancia de la mítica representación oriental de su figura y sigue en la película representado como un niño precoz con un poder increíble y que sus travesuras son bastante catastróficas.

Ya que el maestro Taiyi Zhenren los revive usando la flor de loto, lo que simboliza la pureza y el renacimiento espiritual, pasan a tratar de conseguir que se aleje de su personalidad como demonio, buscando su inmortalidad mediante las pruebas ofrecidas en el templo comandado por Wuliang.

Después de un inicio a lo que parece ser una serie de eventos, mas como relleno que como desarrollo de una historia, de repente la trama cobra vida de forma potente mostrando en verdad que es lo que va a suceder y a dónde se dirige Ne Zha.

Al final de la primera parte los dragones del mar oriental parece que se van a rebelar contra los dioses y en la segunda parte el plan parece que se está desarrollando de acuerdo a los designios de Ao Run, rey de los dragones del Mar del Oeste.

Pero todo lo que vemos como introducción desemboca en tremendo plan lleno de engaños y traiciones por fuerzas muy diferentes a las que hemos visto o pensado que los malos o los villanos titulares del filme.

De hecho, mucho del filme tiene que ver cómo las apariencias engañan, sobre todo Ne Zha como demonio que es y como él insiste en el filme que no permitirá que le impongan un destino, sino que él forjará su propio destino.

Todo sigue ese tren de ideas hasta que desemboca en el furioso clímax, una tremenda batalla en el firmamento entre fuerzas opuestas y cuyo resultado significará el destino de muchos, sobre todo el de Ne Zha y Ao Bing.

El filme es toda una obra de arte de diseño artístico, todo basado en imágenes y folclor oriental, de personajes míticos de su cultura y su personificación llevados casi al pie de la letra.

No sólo “pintarlos y dibujarlos”, sino la forma en que son desarrollados y que a los cinco minutos se le olvida a uno que es animación por computadora y parece que son seres reales de carne y hueso.

Y esos personajes son manipulados artísticamente de una forma tan diestra y especializada, sobre todo el afán del detalle al verlos enfrentarse con artes marciales, la plasticidad de los cuerpos al moverse, inclusive cuando usan magia o encantamientos el detalle presente es impresionante.

Lo que sí reflejan en el filme es la crueldad de los inmortales, el desdén de los dioses sobre los mortales a consecuencia de sus eternas batallas, sus ambiciones y sus deseos de mas poder.

Ne Zha del 2019 era extremadamente “fresa” en esos puntos, pues no, ahora hasta da mucho sentimiento cuando ciertos personajes clave mueren o simplemente los que caen víctimas del fuego cruzado de los seres demoníacos o los inmortales.

Interesante cómo se refuerza también los vínculos con sus padres en esta segunda parte. 

Ne Zha es el tercer hijo y ahora conocemos a sus hermanos y en final durante los créditos aparecen ellos como anticipo de que vendrá en la tercera entrega de estas películas.

Todos los personajes son desarrollados de forma magnífica comenzando por Ne Zha que tiene que enfrentar la realidad que si quiere enfrentar a su destino, él tendrá que cambiar mas allá de ser un niño irresponsable y convertirse en un dios responsable de sus poderes y su capacidad en el mundo de los mortales.

<h6 class="subtitle underlined">Y sí, espero que venga pronto la tercera película de Ne Zha, ver su eterna lucha con el destino implacable que no lo querrá soltar de sus garras.</h6>

Ne Zha 2: El Renacer del Alma (Nezha: Mo Tong Nao Hai/ China, 2025)

Justo Elorduy DETONA®️ su crónica sobre esta película y la califica con CUATRO ESTRELLAS. Director: Paul Thomas Anderson. Guion: Paul Thomas Anderson. Actores: Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Teyana Taylor, Regina Hall y Chase Infiniti.

Una Batalla tras Otra es la historia de un grupo de revolucionarios urbanos que alrededor del 2005-2010 realizaban sus fechorías para supuestamente golpear al poder imperante: asaltar bancos, liberar migrantes arrestados, poner bombas en edificios federales, etc.

La ironía es que mas que buscar “la liberación del pueblo”, los personajes involucrados, principalmente Bob (Leonardo DiCaprio) y Perfidia (Teyana Taylor) buscan liberar adrenalina, la emoción física y emocional de pensar que están haciendo “algo” pero para ellos mismos, hasta que cometen un grave error en un asalto que da fin a su célula.

Entra en escena el obsesionado militar Steven J. Lockjaw (Sean Penn, excelente en su personificación), con la meta de desintegrar el grupo y también obsesionado por Perfidia que detonará una serie de eventos y una persecución que durará 16 años hasta el presente.

El director Paul Thomas Anderson realizador de excelentes películas que datan desde Boogie Nights (1997), Magnolia (1999) pasando por Petróleo Sangriento (2007) y El Hilo Fantasma (2017) y ahora tiene en sus manos una magnífica realización y tremenda puesta en la pantalla grande.

La historia tiene sus segmentos centrados primeramente en Perfidia, luego Bob que escondido en alguna parte de los EUA mantiene y educa a su hija Willa (Chase Infiniti) y cuando todo su mundo se cae, la historia pasa a manos de Willa para poner a dudar a uno, cómo concluirá todo.

Igualmente, el ahora coronel Lockjaw tiene lo suyo, sus planes y sus ambiciones y sus razones de por qué perseguir a lo que queda de la célula revolucionaria.

Anderson como realizador le da su tiempo a todos sus personajes para que se establezcan en la pantalla, todos con mini historias de cómo empiezan y como terminan. 

Las batallas tras batallas que tienen que enfrentar y las consecuencias en ellos.

El director es mordaz, a veces cínico y a veces con un humor abierto que sorprende.

Personajes enojados por lo que viven, escondidos para siempre y viviendo constantemente en estado de miedo.

Individuos irónicos cuyas motivaciones son raras y a veces ni son explicadas. 

Sociedades secretas, muy peligrosas, pero tan misteriosas que dan risa.

<h4 class="subtitle">Así es el universo de Una Batalla tras Otra.</h4>

El realizador sigue de nueva cuenta la línea del autor de la novela, Thomas Pynchon, estilo que Anderson como guionista ya había adaptado en Inherent Vice (2014) y que es mostrar que para bien o para mal la vida no depara sorpresas, uno ya formó su destino en el pasado y de alguna forma u otra ese destino se va a hacer presente cuando uno menos lo espere.

Tal cual, la vida no se arregla porque uno quiere, sino se sufrirán grandes consecuencias buscando un cierre a tanto que se hizo y por tal no hay forma alguna de borrar todo.

Y tal cual el quehacer diario que para uno es cotidianidad, salir a la calle, para otros es una batalla tras batalla, cada día, cada hora, cada segundo.

<h6 class="subtitle underlined">Una Batalla tras Otra… de lo mejor del 2025.</h6>

Justo Elorduy Hevia